Edward Hopper (1882-1967)
il pittore realista per eccellenza del XX secolo in America
Da giovane appena uscito dalla scuola d'arte, fa il suo primo viaggio a Parigi nell'autunno del 1906 e vi rimane fino all'estate successiva. Ha poi visitato Londra e si è avventurato in tutta Europa, fermandosi a Haarlem, Amsterdam, Berlino e Bruxelles. Dopo un secondo viaggio a Parigi nella primavera e l'estate del 1909, ha fatto un giro di calibrazione prima di passare le ultime settimane a Parigi. Tornato a casa in America, era un giovane artista che con riluttanza a lavorava come illustratore, Hopper (in base a quel poco che si sa della sua vita in questo momento) è ancora riuscito a passare la maggior parte delle sue estati in campagna, lontano dalle strade fumanti di New York. Andò a Gloucester, Massachusetts, nel 1912, per Ogunquit, Maine, nel 1914, e il 1915, e per Monhegan Island, dodici miglia al largo della costa del Maine, ogni estate 1916-1919.
The Mansard Roof
E 'stato un ritorno a Gloucester durante l'estate del 1923 che ha cambiato la direzione di Hopper. Lì incontrò Josephine Nivison, che, come lui, aveva studiato con Robert Henri alla New York School of Art. Nivison aveva già esposto i suoi acquerelli a New York, e ha incoraggiato Hopper, che aveva iniziato da ragazzo e, più recentemente, per il suo lavoro commerciale, a provare a lavorare in acquerello durante l'estate, per escursioni di pittura che hanno fatto insieme. Ha anche riconosciuto la sua struttura insolita e rispettato la sua abilità. Quando ha ricevuto un invito a mostrare i suoi acquerelli in una mostra collettiva presso il Brooklyn Museum, ha spinto al museo sulla nuova opera di Hopper, premendo per il suo inserimento nella mostra. Questa mostra ha comportato l'acquisto del museo di The Mansard Roof, la prima vendita di Hopper di un dipinto in un decennio, e gli portò molta pubblicità favorevole. Forse Hopper si rese conto che aveva finalmente trovato il suo migliore alleato, si è sposò con Jo l'estate dopo, trascorsero la loro luna di miele indietro nel Gloucester, dipingendo con gli acquerelli.
A quel tempo, palazzi come questo venivano visti come fuori moda, orribili, volgare, alla gente non piaceva. Hopper è stato uno dei primi pittori in questo momento a creare quadri "di moda" come simbolo del passato. Scegliendo questo tema, costringe la gente a prendere in considerazione i cambiamenti, e infatti nel 1920 ce ne furono: l'immigrazione, la razza, l'alcool, il sesso .... Un decennio di profondi mutamenti sociali, aumento di intrattenimento e di consumismo di massa: una rivoluzione morale. Hopper ha scelto di schierarsi con la vecchia America e rifiutare l'arte moderna, ciò che gli ricordava il passato, l'Età dell'Oro.
Ai critici piacque, pensarono che fosse un simbolo dell'America del passato,una sorta di orgoglio nazionalistico. Il problema è che, questo tipo di architettura non è tipicamente americana ma è tipicamente francese (Secondo Impero, quando Napoleone voleva ricostruire Parigi), per questo motivo Mansard Roof divenne molto popolare a Parigi e si diffuse in America, soprattutto nel New England.
Dopo questo quadro, la sua reputazione è stata istituita e si trasferisce a Greenwich Village a New York e vi rimase per il resto della sua vita, si è sposato con Jo e dipinto uno dei suoi dipinti più famosi: House by the Railroad
House by the Railroad
Dipingeva con i suoi acquerelli direttamente sul posto, erano quasi sempre scene all'aperto: navi, in riva al mare, un faro, una chiesa, le strade, le case e gli alberi. Avendo lavorato in acquerello come illustratore, ha gestito il mezzo con fiducia. Dopo aver delineato la sua composizione con uno schizzo a matita pallido, ha improvvisato la successione del lavoro con particolare attenzione alla registrazione della luce solare, interessato più alla struttura piuttosto che al testo. Il risultato della tecnica di improvvisazione di Hopper è una spontaneità che non si verifica nei suoi dipinti a olio, un contrasto che è particolarmente rilevante se si paragona l'olio occasionale che Hopper dipinse sulla base di precedenti composizioni acquerello.
Prima del 1927, quando Jo e Edward acquistarono la loro prima automobile, le spedizioni di Hopper erano sempre a piedi, la loro prima auto non era un semplice mezzo di trasporto, divenne un vero e proprio studio mobile. Edward lavorava sul sedile posteriore dietro al volante, mentre la piccola Jo rimaneva nel sedile accanto al conducente, anche lei intenta a lavorare al suo estro. Si racconta volesse dipingere anche il parabrezza per poter vedere il suo ambiente nella tonalità più adeguata.
Autmat
Il giorno di San Valentino del 1927 in apertura della seconda mostra personale di Hopper, alle Gallerie Rehn a New York mostrò questo quadro "Autmat". Ad aprile era stato venduto per 1.200 dollari. Il dipinto è oggi di proprietà del Des Moines Art Center in Iowa.
Raffigura una donna sola a fissare una tazza di caffè in un Automat di notte.
La moglie di Hopper, Jo, servì da modello per la donna. Tuttavia,le alterò il viso per farla più giovane (Jo aveva 44 anni nel 1927). Ha anche modificato la sua figura, Jo era sinuosa, piena di femminilità, mentre un critico descrisse la donna nel dipinto come "'ragazzo' (vale a dire, piatta di seno)".
Come spesso accade nei dipinti di Hopper, entrambe le circostanze, della donna e il suo stato d'animo sono ambigue. E 'ben vestita e indossa il trucco, il che potrebbe indicare che lei sia tornata o stia andando a lavoro, in cui l'aspetto personale è importante, o da un evento sociale.
Ha tolto un solo guanto, che può indicare sia che lei sia distratta, che abbia fretta e può fermarsi solo per un momento, o semplicemente che lei sia appena arrivata da fuori, e non si è ancora riscaldata. Ma quest'ultima possibilità sembra improbabile, perché c'è un piccolo piatto vuoto sul tavolo, di fronte a lei, suggeresci che può aver mangiato uno spuntino e sia rimasta seduta a questo posto per qualche tempo.
Il periodo dell'anno, tardo autunno o in inverno, è evidente dal fatto che la donna è caldamente vestita. Ma l'ora del giorno non è chiaro, dato che le giornate sono corte in questo periodo dell'anno. E 'possibile, per esempio, che sia subito dopo il tramonto, abbastanza presto di sera che la tavola calda potrebbe essere il luogo in cui abbia preso appuntamento per incontrarsi con un amico. Oppure potrebbe essere a tarda notte, dopo che la donna ha completato un turno di lavoro. O ancora, potrebbe essere la mattina presto, prima dell'alba, come un cambiamento che sta per iniziare.
In un tocco innovativo, Hopper fa delle gambe della donna il punto più chiaro nel dipinto, in tal modo "il suo trasformarsi in un oggetto del desiderio" drea lo spettatore un voyeur. Per gli standard di oggi questa descrizione sembra esagerato, ma nel 1927 l'esposizione pubblica delle gambe delle donne era ancora un fenomeno relativamente nuovo.
in ogni caso qualunque sia l'ora, il ristorante sembra essere in gran parte vuoto e non ci sono segni di attività (o di alcuna vita) sulla strada fuori. Questo aggiunge il senso di solitudine, e ha causato l'associazione della pittura ad essere popolarmente associato al concetto di alienazione urbana. Un critico ha osservato che, in una posa tipica dei soggetti melanconici Hopper, "Gli occhi della donna sono abbattuti ei suoi pensieri rivolti verso l'interno." Un altro critico l'ha descritta come "guarda la sua tazza di caffè come se fosse l'ultima cosa al mondo a cui poteva aggrapparsi." Nel 1995, la rivista Time utilizza Automat come immagine di copertina per una storia di stress e la depressione nel 20 ° secolo.
A Parigi, Hopper aveva dipinto tutti i suoi oli all'aperto in loco. Naturalmente, durante i mesi freddi piovosi d'inverno la sua produzione si limita. Ha trovato altri divertimenti per questa volta però, e ha spesso abbozzato nei caffè, senza fine, osservando il francese che ha provocato le sue fantasie. Tornato in America, Hopper aveva già cominciato a improvvisare, pittura a volte in studio dalla memoria o dalla sua immaginazione. Ha continuato a lavorare all'aperto durante le estati trascorse nella campagna del New England, direttamente sulla tela senza separarsi dagli schizzi preliminari.
Comincia a fare disegni a matita o carboncino su posizione, a volte registra delle note sulle osservazioni di colore. Questi disegni sono stati sempre fatti in bianco e nero, di solito bianco e nero, ma a volte anche in rosso Conte pastello. Entro la fine del 1930, tutte le sue tele sono state prodotte in studio, molti erano sintesi di diversi posti che Hopper aveva osservato e disegnato. Per esempio, New York Movie (1939) combina disegni realizzati in diversi teatri con schizzi di Jo in posa come la mascherina nel corridoio del loro condominio. Hopper non ha mai rinunciato a lavorare con l'osservazione, ma con l' anzianità e l'infermità il viaggiare si fece più difficile,dunque adottò cio ch lo osservava con la sua immaginazione.
Il realismo di Hopper non era soltanto una traduzione letterale o mimetico di quello che ha visto, ma una resa interpretativa delle impostazioni che rappresentava. Vale la pena esaminare la sua scelta per i soggetti, qui sta un indizio importante sulla natura stessa della visione di Hopper. I luoghi che Hopper dipingeva rivelano molto sulla sua personalità, i suoi gusti, e il clima culturale del suo tempo.
Una delle immagini più frequentemente ricorrenti nel lavoro di Hopper è la vista di un corpo d'acqua: paesaggi marini e scene marine, faro, porti, fiumi, ponti, e anche la vista dalla sua casa estiva a Truro, Massachusetts, che si affaccia Cape Cod Bay. Essendo cresciuto abbastanza vicino al fiume Hudson a Nyack, New York, Hoper era sempre attratto dall' acqua, che potrebbe aver simboleggiato la libertà e la fuga per questo artista solitario. Da adolescente, era stato incoraggiato dal padre a costruire una barca a vela, più tardi ammesse di aver considerato una carriera come architetto navale, la vela è rimasta una passione per tutta la vita. Dipinse molti fari, questo può riflettere una identificazione certa della sua parte: era quasi sei piedi e cinque pollici di altezza e forse è riuscito a sentire una speciale affinità per questo genere di architettura, che, come lui, stava in disparte, staccata dal resto del mondo.
The lighthouse Two Lights
I suoi soggetti sono in genere privi di figure umane, non è un caso che fino al 1933 il suo immaginario è stato specificamente descritto come "solitario". Hopper stessoha chiesto di spiegare l'assenza di figure in Dam Ponte Macomb (1935), un dipinto che raffigura New York, una città di milioni di persone, le sue parole furono :
" Non so perché, tranne che dire che sono solo"
I posti vuoti e le figure solitarie morse dalla solitudine interessano sempre di più il pubblico al pensiero psicoanalitico e consapevole del crescente anonimato della vita urbana contemporanea. Nel 1964, alla valutazione di un intervistatore, di solitudine profonda e di mancanza di comunicazione nella sua arte rispose con il commento:
"E ' probabilmente un riflesso di me, se posso dire, la solitudine. non lo so. Potrebbe essere la condizione umana. "
Nel 1923, Hopper intitola un' incisione La Casa Solitaria, ma dal momento che la composizione comprende due figli, suggerisce il titolo più grande, la solitudine più esistenziale - una sorta di isolamento sociale. Ciò è simile al senso di straniamento presente nella sua Casa pittura ad olio lungo le rotaie o nei suoi dipinti dei vari fari isolati.
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Forse Hopper sentiva una sorta di frustrazione nel rapporto umano che ha comunicato nella sua arte, non solo attraverso malinconiche figure solitarie, ma anche attraverso metafore di fuga (treni, autostrade) e attraverso la raffigurazione di luoghi vuoti, spesso dove ci aspettiamo che la gente sia presente . In questo senso, dobbiamo riconoscere che un quadro come La solitudine riflette la preferenza di Hopper per gli spazi vuoti sulla compagnia di altre persone, che trovò difficile da accettare.
Il XX secolo è stato un periodo di crescente nazionalismo, e le tipiche scene americane appaiono come i soggetti della sua arte. La sua città natale, Nyack, ha offerto esempi di stili architettonici caratteristici del XIX secolo in America. Anche se questi stili sono stati passivamente assorbiti da Hopper in gioventù, fu solo dopo aver viaggiato all'estero, tra il 1906 e il 1910, che ha pienamente venuto ad apprezzare il loro fascino. Scrivendo in "Le Arti" nel 1927, Hopper ha commentato artisti contemporanei americani il cui lavoro ha ammirato e ha sottolineato la necessità di sviluppare un "arte nativa", ribadendo il punto di molti critici sono stati poi seguaci del sul suo lavoro:
"Il 'groviglio del suolo sta diventando sempre più evidente e più nella loro pittura ... Non dobbiamo avere la certezza che la cristallizzazione della tecnica d'America in qualcosa di nativo e distinto, se non fosse che il nostro teatro, la nostra letteratura e la nostra architettura mostrano segni evidenti di fare proprio quella cosa. "
Ad esempio, Hopper era particolarmente affezionato al tipo di tetto in modo frequente sulle case americane dello stile Secondo Impero, costruito tra il 1860 e il 1890. Questo stile, che, come il nome è preso in prestito dall'architettura francese ha sviluppato durante il regno di Napoleone III, è caratterizzato da un tetto a mansarda coperto con tegole multicolori o banda stagnata. Nel 1907 e 1909, Hopper aveva fatto diversi dipinti del Pavillon de Flore del Louvre, che vedeva da un angolo dove ha vissuto sulla Rive Gauche di Parigi. Ha senza dubbio ammirato la mansarda di questo edificio elegante e poi deve essere stato attratto da tetti simili su "American casa" che ha raffigurato in acquerelli come The Mansard Roof e Casa Talbot così come nella sua Casa oli dalla ferrovia e la Bootleggers , entrambi del 1925.
Anche se sembra a prima vista che Hopper è stato regolarmente attratto dalla classe più ordinaria degli edifici, c'è inevitabilmente qualcosa di speciale nei soggetti selezionati - spesso una preferenza personale o associazione specifica. Per esempio, nel 1926, in visita Rockland, Maine, aveva inciampato su una deserta pensione a 5 South Street, nei pressi del cantiere della città. Nonostante la sua struttura ordinaria, Hopper ha elaborato al suo stato di abbandono, rilevando in particolare le sue finestre sprangate. Anche se il lavoro è stato in seguito conosciuto come Boarding House Vecchio, mascherando la sostanza della preoccupazione originale dell'artista con quello che deve riflettere il suo fascino crescente con la morte. Questa morbilità e il suo pessimismo sono indicati anche dalla predilezione di Hopper per la pittura ad acquerello di case circondate da alberi morti: Alberi morti (1923), albero morto e laterali di Lombard House (1931), Casa con albero morto (1932) e Quattro Alberi Morti (1942).
Ha anche occasionalmente selezionato soggetti architettonici di maggiore distinzione estetica, particolarmente nel 1927, durante il suo soggiorno a Portland, nel Maine, dove ha scelto di dipingere acquerelli di un distinto palazzo alto vittoriano e l'elegante granito della Stati Uniti Custom House costruita nel 1872 in stile greco. Queste scelte erano in netto contrasto con alcuni degli edifici più comuni che aveva dipinto, appena un anno prima, a Rockland, Maine.
Le sue scelte di materia - in particolare i luoghi da lui dipinte - sembrano essere stati un po 'imprevedibile, dato che erano parte della sua costante lotta con la noia cronica che spesso ha soffocato la sua voglia di dipingere. Questo è ciò che ha tenuto Hopper in movimento - la sua ricerca di ispirazione, dolorosamente trovata nella stimolazione del nuovo ambiente. Come ha spiegato a un critico:
"Per me la cosa più importante è il senso di andare avanti. Sai come stanno le cose belle quando sei in viaggio. "
